POETA INSENSÍVEL

Na calva escura da lagoa

um pescador solitário afunda

O lodo fofo suga o pescador

na calva escura da lagoa

Seu suplício consentido,

ao chorar os peixes perdidos,

é percebido por um poeta insensível

que na calma ociosa do espírito

apenas escreve.

Mario Chris

DEZ ANOS DEPOIS

Entre tantas ofensas descabidas, certo dia sentamos e conversamos e o peso daquela conversa... o peso daquela promessa...

Destilado, fermentado, inalado ou tragado, sempre soube que o teor das ofensas e, até mesmo, as tentativas de agressão física nunca foram sinceros. Mas doeram e doem quando lembrados.

Entretanto, um dia, conversamos e decidiste partilhar comigo o peso da tua dor e o pacto foi tão profundo que choramos juntos. Naquela noite partilhaste o vício e percebi um dependente de carinho – dali para frente a cumplicidade foi intensa (lembras de como ficávamos preocupados com ela?).

E foi em função dessa preocupação, e dessa cumplicidade, que me revelaste a última dor e como foi difícil mantê-la em segredo e quantas noites mal dormidas por saber que não era capaz de cumprir minha promessa...

O tempo passou... não me foge à lembrança, a conversa que mudou minha infância

CONFABULAÇÕES

Se nesta vida nada faz sentido

Se nada faz sentido no amor,

no humor, no torpor

sem calor...

Ao menos nada

contra a corrente intrépida do rumor

Mario Chris

SOBRE O ENCONTRO

Encontraram-se na mesma esquina de antes e deram um sorriso discreto. Voz baixa, quase inaudível:

“Como está?”

“Bem e você?”

“Também...”

Não se entendessem tão bem, passaria despercebido.

Abraçaram-se como à eternidade e seguiram caminho satisfeitos de se amarem com tanto respeito.

Mario Chris

Rio de Janeiro, 30/10/2014

(A Nico)

ATEÍSMO

Para o mundo! Eu quero descer!

Mas na hora do rush o tráfego é intenso

Com todo respeito, seu motorista, o senhor não existe.

E riram juntos da piada da criação

Mario Chris

Rio de Janeiro, 29 de outubro de 2014

TRISTESSE

Triste não é ser triste

É sentir a aurora brotar no papel

incapaz de fazê-la brilhar no céu

Triste não é ser triste

É fingir um sorriso acalorado

que esconde um coração angustiado

Triste é um discurso amargo

disfarçado de amor alado

Um espírito solitário

por si mesmo abandonado

Mario Chris
Rio de Janeiro, 29/10/2014

PAIXÃO CONCRETA

Beijou a esquina como se não houvesse amanhã. Não havia amanhã. Sem paixões fugazes nem amor verdadeiro. Tudo esvaiu-se em cor de pétala no asfalto. Tudo lançado ao ar vinte andares atrás.

À multidão fumegante resta o dom da dúvida em um conglomerado de porquês.

O casal se abraça. Amam-se mais que nunca.

A criança chora assustada com o espetáculo da vida.

A senhora se benze, despachando o defunto.

A carta balbucia “amém”, enquanto a esquina engole a todos em um ato de comunhão.

Mario Chris

Rio de Janeiro, 13 de outubro de 2014

CONTRACORRENTE

É muito estranho abrir a porta e não ter esquina. Só uma reta sem placa nem seta. Por onde todos caminham em fila indiana. Cabeça baixa... vida ordinária

Que fizeram da esquina?

Retificaram para o bem de todos.
Assim é possível caminhar sem ter que olhar para os lados.

É muito estranho abrir a porta e não poder...

MARIO CHRIS
Rio de Janeiro, 11/10/2014

AS CRIANÇAS

           As crianças exercem sua liberdade nas ruas quando, soltas das amarras das mãos dos adultos, podem caminhar livres pela cidade. Todavia um limite é posto – até para que se exerça o poder hierárquico da instituição familiar. Esse limite é a esquina, para além da qual não se deve ir.

A esquina é um território dominado pelos adultos e, sendo assim, exercem seu direito de criar todas as formas de narrativa cuja veracidade é incontestável – lembremos da hierarquia.

A esquina é perigosa! Só pode ir até a esquina!

Mas a infância não deixa de ser o campo da contestação e explorar a esquina torna-se necessidade e se a repressão insistir em se impor, a resposta malcriada fala por si só.

Vai ver se eu estou lá na esquina!

Mario Chris

Paris, 24/06/2014

O MENDIGO

            Cansado do excesso de informação, o mendigo destoa do restante e relaxa na esquina. Centenas de passos o cercam, o ignoram e – de forma naturalizada – o condenam. Entretanto ninguém entende a cidade como o mendigo e naquele curto espaço de tempo, descansando diante da esquina, observa o que ninguém mais nota. A cidade.

Faço parte disso tudo, pensa. Entende que a cidade sem mendigo ou mendigo sem cidade é como esquina sem dúvidas. Para que lado ir?

Não existe lado certo – se é o certo que tendemos a procurar. Cada canto da esquina é um novo mundo esperando por ser descoberto. Mas a ninguém interessa tal premissa. Mas ao mendigo interessa.

Levanta e segue pela esquina. Por qual canto? Não interessa.

Mario Chris

Amsterdã, 23/06/2014

PLATONISMO

Foi na esquina que aprendi a ler. O j seguido do o fechado, formando jo. O s, estranhamente com som de z, seguido do e aberto. E agora, José? A esquina é um passado que insiste em estar no meio do caminho. Ah, minha esquina querida...

Se tanto saudosismo fosse capaz de trazer de volta o que já se foi.

A esquina, mar de soluços descompassados.

A esquina soa perpendicular somente por resquícios da razão, pois do ápice da percepção – fruto da distância carnal – a esquina sempre será um sinuoso espectro de emoções tal qual um amor platônico, um amor barroco.

Mario Chris

A ESQUINA

Saltou do ônibus à esquina e contava menos de trinta. Sentou-se ao meio-fio com toda sua mocidade marota contrastada por um ar de maturidade que fazia questão em exalar. Em meio a tantos transeuntes e automóveis estranhos, reconheceu-se como parte integrante da esquina.

Todavia sua condição não era fruto do mero instante. Era a memória com toda sua lealdade traíra. E além, pois sabia – embora não lembrasse – que tinha uma relação placentária com a esquina e sempre que sentia-se aflito, recorria a ela como recorro à escrita.

Somos um só: personagem, narrador e escrita.

Diria mais: somos todos esquina.

Mario Chris

NÃO SEI BRINCAR

Já tomei vodka, hoje tomo mescalina
Tenho todos os sentidos realçados menos um, o da razão.
E se me chamam imoral,
foda-se o padrão!
Uns têm leveza, outros não.
Já perdi chave e documentos
Agora perco a noção.

No carnaval das sensações
sinto como ninguém o ritmo do meu coração.
E se o japonês traz haxixe,
entra na roda, meu irmão.
Pois na criatividade sem graça de hoje
só nos resta pandeiro e violão.
Cantemos, então...

Mario Chris

SANGUE NEGRO (There will be blood – EUA, 2007)

Direção: Paul Thomas Anderson

            A genialidade de Paul Thomas Anderson nesta obra começa pelo título (original). There Will be blood é muito mais que um título ilustrativo; é um aviso: haverá sangue – e a veracidade deste aviso toma forma com o desenrolar da narrativa. Largando o intimismo que perpassou sua obra cinematográfica em filmes como Magnólia e Boogie Nights, Anderson adentra o território da narrativa épica, fazendo-o de forma eficaz, resgatando de forma competente um estilo outrora explorado, mas há muito esquecido (não falo aqui das narrativas ao estilo Senhor dos Anéis, mas dos épicos norte-americanos ao estilo Assim caminha a humanidade). Livremente inspirado no livro Oil! de Upton Sinclair, Sangue Negro acompanha a ascensão de Daniel Plainview, desde sua origem na exploração de minério até seu enriquecimento com o petróleo e, se ambas as riquezas surgem do subsolo para atender à ganância deste complexo protagonista, é interessante notar que Anderson – e mais especificamente a soberba atuação de Daniel Day Lewis – explora justamente as mais internas camadas da alma de Plainview,seja para analisá-la ou para constatar sua ausência, dependendo da interpretação que se prefira seguir; repare como Plainview constantemente surge sujo em cena: terra e petróleo em referência ao teor de seu caráter.

            Acompanhado por seu “filho”, H.W. Plainview, cujo papel é trazer uma atmosfera familiar e humanista a seus negócios (e o fato dessa relação ser totalmente pautada por interesse fica evidente pela reação de Daniel quando o rapaz se torna um problema para os negócios e isso acontece mais de uma vez ao longo do filme), Daniel chega a uma área promissora para a exploração onde percebe a chance de enriquecer ainda mais à custa da ingenuidade da população local. A questão é que Plainview se depara com um jovem pastor, cuja capacidade oratória e o gosto pelo espetáculo se equiparam a suas abordagens, o que o torna um claro oponente na busca por seus interesses. Vale ressaltar que recai sobre Paul Dano a responsabilidade de dar vida a Eli Sunday (Sim! Domingo é o dia santo!) e é de suma importância para a eficácia da narrativa que ele não seja engolido em cena por Daniel Day Lewis, o que desmontaria todo o embate e toda a proposta de Sangue Negro.

            Paul Thomas Anderson, um dos diretores mais eficientes de sua geração, vai muito além da história do explorador de petróleo, demonstrando como a mentalidade norte-americana foi produzida pela junção ganância – religião em seu estado mais acessível: o espetáculo. Não são raras as vezes que percebemos Eli ou Daniel lançando mão das mais variadas estratégias para atrair a atenção de seu público: figurino, cenografia, impostação vocal entre outras. Nesse ponto torna-se impossível não relacionar o protagonista de Sangue Negro com outro personagem icônico da historiografia do cinema: Charles Foster Kane. Ambos os personagens são ricos e buscam no dinheiro o escape para as ausências afetivas que permeiam suas vidas: se o personagem título de Cidadão Kane acaba por buscar refúgio no Rosebud balbuciado em seu leito de morte, Daniel Plainview ainda busca graus de parentesco em que possa encontrar afeto, fato que gera certa frustração, para não dizer ódio (observe a reação de Daniel ao descobrir determinada farsa envolvendo um parente próximo).

Sangue Negro é um filme difícil de esgotar. São sequências e mais sequências com alto teor artístico e que muito acrescentam à narrativa – sem falar da eficiente trilha sonora que nos arrasta para os conflitos de Plainview e da belíssima fotografia vencedora do Oscar. Certamente um filme que precisa ser visto e revisto nos mínimos detalhes e que fatalmente causará uma impressão no espectador – um incômodo digno de discussão, algo mais que necessário para se considerar uma obra eficiente: There Will be blood é.

UM SORRISO DOMINICAL

            Lembro-me de minha família. Dos domingos sentados à mesa. Do almoço servido quentinho em uma esquina tijucana. Entretanto...

            Não eram os almoços de domingo os verdadeiros laços. Os almoços de domingo tinham um quê de burocrático – algo de tradicional cuja realização pairava entre o obrigatório e o racional. Os sorrisos dominicais limitavam-se ao bater ponto no domingo de folga.

            Bom mesmo eram os domingos sob a maresia da Região dos Lagos. Aqueles domingos eram incessantes, sem intervalos semanais. Acordar pela manhã ao som da cozinha ganhando vida. Flanar pelos cantos da casa sentindo os sorrisos cheios de liberdade que desembocavam nas tardes na praia, culminando em um pôr-do-sol inviolável. As viagens à Região dos Lagos eram os verdadeiros laços.

            Hoje, ainda inebriado pelas lembranças, quando acordo em uma esquina de Copacabana, finjo ser o som da cozinha as conversas de outrora. Fecho os olhos e imagino pelo menos um sorriso dominical que sirva de elixir para mais um dia.

Meu sorriso dominical tornou-se um laço maquiado com o pó da tradição e a sombra da burocracia.

Mario Chris

Rio de Janeiro, 09/04/2014

OSCAR 2014 – parte 2

Terminada a 86ª Cerimônia da Academia, o saldo da noite respeitou o que era esperado, dividindo os prêmios entre os grandes favoritos da noite 12 anos de escravidão e Gravidade – sendo que este ficou com 7 prêmios, em sua maioria técnicos, enquanto que o filme de McQueen recebeu 3 prêmios de primeiro escalão, incluindo o de Melhor Filme. Com relação as minhas expectativas, elas também foram atendidas, pois apesar de meu favorito Ela ter saído apenas com o prêmio de Melhor Roteiro Original, os filmes supracitados eram, respectivamente, meus segundo e terceiro votos. Só para relembrar o que comentei no meu post anterior, meus votos na categoria melhor filme seriam: Ela, 12 anos de escravidão, Gravidade, O lobo de Wall Street, Clube de Compras Dallas, Nebraska, Trapaça, Capitão Phillips e Philomena. Interessante notar que dos nove finalistas na categoria principal, cinco ficaram sem nenhum prêmio, o que não deixa de ser curioso, já que a academia, há cinco anos, aumentou o número de finalistas a fim de poder agraciar filmes que não teriam chances de indicação com o limite de cinco finalistas. Fica a sensação de que, apesar de conseguirem a visibilidade de se tornarem um Academy Award Nominee, esses filmes ainda não têm força para se tornarem Academy Award Winner – e de fato não estamos falando de filmes ruins, se lembrarmos que um deles, Trapaça, era dado como favorito, por ser um dos recordistas de indicação (acabou sendo um dos maiores derrotados de todos os tempos). Completam a lista de derrotados: O lobo de Wall Street, Nebraska, Capitão Phillips e Philomena.

Dentre os vencedores, cada um ficou com os prêmios que já aguardavam: Clube de Compras Dallas ganhou as categorias de melhor maquiagem e penteado, melhor ator coadjuvante e melhor ator; Ela recebeu o prêmio de melhor roteiro original, Gravidade (campeão em número de prêmios) subiu ao palco para receber melhor edição de som, melhor som, efeitos visuais, trilha sonora, fotografia, edição e direção, já 12 anos de escravidão recebeu melhor roteiro adaptado, atriz coadjuvante e melhor filme.

Apesar de não ter acompanhado os lobbys em torno dos indicados, logo no tapete vermelho dava para perceber que Lupita Nyong’o ganhou os holofotes e, de fato, ela estava belíssima em seu vestido Prada – ali passei a perceber que o prêmio de melhor atriz coadjuvante poderia tropeçar (não resisto à piada) das mãos de Jennifer Lawrence como de fato ocorreu. Justiça foi feita, o trabalho de Lupita é fantástico e ela estrela a cena mais comovente do filme de McQueen. Quanto aos lobbys negativos, aquele feito contra a atriz Cate Blanchett não surtiu efeito – relacioná-la ao nome de Woody Allen, querendo desmerecê-la por estar “envolvida” profissionalmente com um homem acusado de pedofilia, aumenta ainda mais o absurdo que é essa acusação descabida de Mia Farrow. Assim, Blanchett recebeu seu segundo merecidíssimo Oscar, desta vez de Melhor Atriz pelo também ótimo Blue Jasmine. Já o outro lobby negativo funcionou – O lobo de Wall Street, que não agradou parte da crítica por parecer fazer justiça a um estilo de vida reprovável, um absurdo por demonstrar que tais críticos não sabem o significado de ironia, acabou saindo de mãos abanando – enfim, já tinha dissertado sobre como seria difícil o filme de Scorsese ganhar algum prêmio (tamanha era a qualidade dos principais indicados).

Na categoria de Melhor Filme Estrangeiro, a Itália saiu da fila de quinze anos com uma obra muito poética de Paolo Sorrentino. Há muito tempo que não vejo uma seleção de filmes estrangeiros tão boa – faltou assistir ao indicado palestino. Todavia qualquer um dos outros que ganhasse faria jus ao prêmio. A grande beleza é um filme de qualidade impecável como há muito não vejo, cinema italiano em estado puro – sem faltar referências ao mestre Felinni. Interessante que, além da referência felliniana no filme italiano, tivemos a referência a Chris Marker no filme do Cambodja. Vale a pena conferir Alabama Monroe, A caça e A imagem que falta.

Os dois prêmios mais importantes: direção e filme acabou sendo dividido, conforme esperado, pelos filmes Gravidade e 12 anos de escravidão. O prêmio de melhor direção coroou o trabalho de Alfonso Cuarón, que, apesar de alternar de gênero, manteve sua pegada e sua qualidade em nos agraciar com momentos de tensão e em estudos de personagem bem elaborados – desde E sua mãe também, Cuarón flerta com a Academia, sem nunca ter recebido um prêmio (este ano saiu com dois, já que também foi responsável pela edição do filme). Já Steve McQueen subiu ao palco para receber o prêmio mais cobiçado da noite. 12 anos de escravidão é um filme com pegada crítica que demonstra ser bem atual, não apenas porque ainda testemunhamos cenas de escravidão propriamente dita, mas pelo fato de que muitas vezes, apesar de sermos livres, sentimo-nos presos a um sistema que nos escraviza. Enfim, o mais importante é o fato de que 12 anos não trabalha com os típicos estereótipos de filmes de escravidão – não temos o negro caricato, engraçado como costumamos observar, por exemplo, nas novelas globais, ou o americano herói que, travestido de messias, salva todo mundo (reparem que o personagem de Brad Pitt é canadense). Filmes sobre esse tema não podem – não devem – abrir espaço para escape emocional e McQueen conseguiu fazer isso e, de fato, incomoda perceber o que nós, brancos, causamos com nossos semelhantes. Não à toa que livro e filme passaram a ser obrigatórios nas escolas públicas norte-americanas.

De fato,

Sobre a cerimônia, considerei interessante o fato de Ellen de Generis ter quebrado a formalidade da festa com seus selfies e com uma rodada de pizza aos convidados. 

OSCAR 2014 – PARTE 1

            Concluído o projeto de assistir a todos os filmes indicados ao Oscar de Melhor Filme, passo a divulgar minhas preferências para a noite de 02 de março, domingo próximo. Ainda pretendo assistir a mais três filmes, concluindo meu projeto de assistir também aos indicados na categoria de Melhor Filme Estrangeiro (até o momento assisti aos concorrentes belga e dinamarquês). A princípio observei algumas injustiças nas categorias de atuação – sentindo falta de alguns nomes que, considero, seriam mais interessantes de figurar na lista que aqueles que, de fato, constam.

Melhor Ator – considero que, este ano, as atuações masculinas se destacaram mais que as femininas e, dessa forma, entendo o quão difícil deve ter sido definir os cinco finalistas. Todavia tiraria a indicação de Christian Bale (Trapaça) – sem que isso signifique menosprezar seu trabalho – e no lugar ficaria tentado entre Robert Redford (Até o fim), Joaquin Phoenix (Ela) e Mads Mikkelsen (A caça).

Melhor Atriz – por mais que eu possa ser apedrejado por tal opinião, sacaria Meryl Streep (Álbum de Família, particularmente um dos filmes mais fracos dentre todos os indicados) e colocaria Greta Gerwig (Frances Ha, embora ainda com dúvidas se ela se aplicaria a uma indicação, já que o filme é de 2012, todavia, ao que parece, foi lançado comercialmente apenas em 2013).

Melhor Ator Coadjuvante – adoro a cena do telefone de O lobo de Wall Street, mas acho que ela não é suficiente para a indicação de Jonah Hill a qual poderia muito bem ter ido para Daniel Brühl (Rush – no limite da emoção).

Melhor Atriz Coadjuvante – sacaria Julia Roberts (Álbum de família – eu realmente achei esse filme um novelão) e, em seu lugar, arriscaria Amy Adams (Ela). Muitos falam do belíssimo trabalho de Scarlett Johansson (Ela) e concordo que sua atuação mereceria ser lembrada (afinal muito do filme se deve a, desculpe pelo trocadilho, Ela), entretanto pensaria em uma categoria inexistente que atentasse especialmente para o uso de voz (algo como uma categoria de melhor dublagem).

Quanto aos filmes indicados à categoria principal, meus votos seriam:

1 – ELA (Her) – acredito que o filme ganhe na categoria Melhor Roteiro Original (apesar do lobby contra em função de uma suposta acusação de plágio). Todavia Jonze conseguiu traçar um futuro muito plausível se lembrarmos das formas como as relações se constroem nos dias de hoje.

2 – 12 ANOS DE ESCRAVIDÃO (12 years a slave) – é favorito e, sim, um filme necessário, já que apresenta um lado obscuro da história da humanidade de forma fiel e, vale lembrar, que a academia ainda tem uma dívida com filmes sobre escravidão.

3 – GRAVIDADE (Gravity) – Alfonso Cuarón conseguiu realizar um filme que, apesar de se ambientar no infinito, caracteriza-se como claustrofóbico e como um belo tratado sobre a solidão. Provavelmente ganhará na categoria de Direção.

4 – O LOBO DE WALL STREET (The Wolf of Wall Street) – Mais um bom produto da parceria Scorsese-DiCaprio que, em tom de ironia, tece uma crítica a uma sociedade movida pela ganância. É o típico caso do filme que pode sair sem nenhum prêmio ou surpreender e vencer todas as categorias a que está indicado.

5 – CLUBE DE COMPRAS DALLAS (Dallas buyers club) – Boa exposição de fatos que não conhecia sobre a política de saúde pública dos EUA nos anos 80. Filme necessário para relembrar o quanto os anos Reagan foram pautados pela política do preconceito. Muito provavelmente sairá com os prêmios de Melhor Ator (Matthew McConaughey) e Melhor Ator Coadjuvante (Jared Leto).

6 – NEBRASKA (Nebraska) – Adorei o fato de o filme servir de referência para um projeto pessoal. Fora isso, as atuações de Bruce Dern e de June Squibb são um brinde. Pode vencer na categoria de Melhor Fotografia.

7 – TRAPAÇA (American Hustle) – Sensação de já ter assistido a esse filme antes. Também achei previsível, mas chamo atenção para Jennifer Lawrence (melhor que em O lado bom da vida) que deve sair com o prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante.

8 – CAPITÃO PHILLIPS (Captain Phillips) – Paul Greengrass é excelente para criar clima de tensão e não me desapontaria se ganhasse uma nova indicação ao prêmio de melhor diretor. Acredito que o filme tem chances na categoria de Melhor Edição.

9 – PHILOMENA (Philomena) – O filme fofo dentre os indicados. Vale a atuação de Judi Dench que, para mim, é uma diva. Pode ganhar na categoria de Melhor Trilha Sonora (até porque creio já estar na hora de Alexander Desplat ganhar o reconhecimento da Academia). 

ALABAMA MONROE (The broken circle breakdown – Bélgica, 2013)

Direção: Felix Van Groeningen

            Alabama Monroe é um filme belga sobre luto ao som de bluegrass. É curioso partir dessa premissa, mas ao final do filme tal afirmação faz sentido e o espectador tem consciência de ter passado por uma experiência dolorosa cujo desenrolar poderia inclinar-se para o clichê. Poderia. Felix Van Groeningen elabora uma obra audiovisual poderosa que garantiu à Bélgica sua sétima indicação ao Oscar de melhor filme estrangeiro.

            Segundo nossa amiga Wikipédia (é certo referir-se no feminino?) o luto “é um conjunto de reações a uma perda significativa” e é justamente através dessas reações que somos convidados a conhecer as particularidades de Didier e Elise – ele, um cantor de bluegrass e ela uma tatuadora que carrega em seu corpo um pouco de suas memórias amorosas. Esse casal apaixonado é posto à prova quando a doença de sua única filha desenrola-se rumo ao inevitável (embora o inevitável aqui deva ser encarado como algo exageradamente precoce, tendo em vista que a menina conta apenas seis anos de vida) acaba oferecendo aos protagonistas um novo sentido para a frase “até que a morte os separe”.

            Assim como nos filmes Anticristo e Reencontrando a felicidade, Alabama Monroe explora as particularidades de cada personagem e a forma como elas influenciam a reação deles diante do luto e a escolha de Van Groeningen é acertada, pois nos apresenta a essas particularidades em doses homeopáticas. Dessa forma a edição nos leva e trás do passado para o presente várias vezes, sem preocupar-se com ordem cronológica em uma estratégia que serve, muitas vezes, para preservar o espectador da dura realidade que se apresenta.

            Também é importante notar que são as distinções de cada personagem que geram a principal discussão do filme, a qual envolve a questão da fé. Enquanto Elise encara a morte como uma forma de redenção divina a qual possibilita as mais inúmeras metáforas como a das estrelas, através da qual uma pessoa se torna um corpo celeste no pós-morte, Didier possui uma visão mais direta sobre o assunto, recusando-se a acreditar em algo que vá além do fato de que após a morte, a pessoa está morta. São essas características que, fornecidas ao espectador pouco a pouco, fornecem verossimilhança às atitudes do casal no que me pareceu ser o grande acerto de Van Groeningen.

            Outro acerto de Alabama Monroe é o uso do bluegrass que, em nenhum momento, parece interferir de forma prejudicial à narrativa, demonstrando a importância que a música tem para o casal – repare na beleza do primeiro plano do filme e em como ele é resgatado no meio da narrativa, revelando-se ser muito mais importante que parece.

            Alabama Monroe é realmente um filme sobre luto ao som de bluegrass, mas o luto deve ser encarado, lembrando que a morte não é a única forma de se ter perdas significativas – o que faz com que o filme tenha uma força ainda maior. 

FRANCES HA (Frances Ha – EUA, 2012)

Direção: Noah Baumbach

            Foi a partir da resenha de um jornal de grande circulação do Rio de Janeiro (pois é, só existe um) que me aproximei deste filme. A crítica o indicava como o “filme fofo” de 2013 e assistir a filmes fofos sempre, ou quase sempre, é uma experiência agradável – ainda mais se o diretor em questão ser o mesmo responsável por uma das obras mais interessantes da década passada (alo de A lula e a baleia). Assim sendo, assisti a este Frances Ha sem conhecer muito a história, limitando-me a saber que era filmado em preto e branco e ambientado em Nova Iorque nos conturbados tempos de hoje.

            Frances é uma jovem de vinte e sete anos que, diante das conturbadas relações que se estabelecem atualmente, parece ter dificuldades em assumir a vida adulta e suas responsabilidades. Roteirizado por Baumbach juntamente com Greta Gerwig (que também dá vida a personagem título), France Ha acompanha as transformações que ocorrem na vida da protagonista quando sua melhor amiga, com quem divide um apartamento, resolve se juntar com o namorado, obrigando a jovem a repensar sua vida. O fato se torna mais chocante para Frances, pois esteve perto de passar pela mesma situação, embora, no seu caso, tenha preferido manter-se na zona de conforto representada pela presença da amiga com a qual realiza suas brincadeiras e projeta um futuro idealizado.

            Diante disso, acompanhamos as várias mudanças de apartamento pelas quais Frances passa, conhecendo novos personagens, cada um com seus projetos e suas lutas particulares para realizá-los. A questão é que Frances parece assumir uma postura passiva/ingênua em relação aos fatos e, assim, acaba perante a difícil decisão entre seu sonho de se tornar uma grande bailarina e a necessidade de ganhar dinheiro para o seu sustento.

            Através de diálogos bem elaborados e ações bem estruturadas (tanto nos momentos engraçados quanto nos momentos sérios), Frances Ha em momento algum parece inverossímil, assumindo uma postura diegética que poderia ser vivenciada por qualquer um e sua fotografia em preto e branco, somado a sua trilha sonora recheada de clássicos que remetem aos anos 80 oferecem uma experiência muito agradável – uma vez que todos os elementos ajudam a humanizar Frances sem torná-la uma personagem trágica ou excessivamente cômica.

            Sem dúvida alguma um “filme fofo” que vai muito além de ser simplesmente fofo. 

A CAÇA (Jagten – Dinamarca, 2012)

Direção: Thomas Vinterberg

           

Thomas Vinterberg é um diretor que, juntamente com outro cineasta dinamarquês – Lars Von Trier, idealizou um movimento cujo objetivo era estabelecer regras para a realização cinematográfica no intuito de resgatar a sétima arte de seu afogamento comercial. Esse movimento recebeu o nome de Dogma 95 e o primeiro filme a seguir religiosamente o chamado “voto de castidade” – nome dado ao conjunto de regras que os cineastas devem respeitar para receberem o Certificado Dogma 95 – foi uma obra de Vinterberg intitulada Festa de Família. Naquela ocasião, nos idos de 1998, o diretor abordou um assunto bem polêmico: a pedofilia. Quatorze anos depois – tendo o movimento Dogma 95 sofrido algumas adaptações naturais – Vinterberg retorna a essa temática no ótimo A Caça, filme que garantiu À Dinamarca sua décima indicação ao Oscar de melhor filme estrangeiro.

            Ambientado em uma comunidade dinamarquesa, somos apresentados a Lucas, um professor de jardim de infância, o qual – carinhoso com seus alunos – é respeitado por todos a sua volta, seja no trabalho ou nas questões pessoais, já que está envolvido em um difícil processo de separação, o que inclui seu desejo de estar próximo do filho.

            Todo esse respeito vem por água abaixo da noite para o dia quando uma aluna, motivada por sua imaginação inventiva e um ato impensado de um amigo de seu irmão adolescente, confunde seus sentimentos e acaba acusando seu professor de tê-la abusado sexualmente. Baseado, justamente, no fato de as crianças serem “incapazes de mentir”, as acusações sobre Lucas vão tomando maiores proporções, o que faz com que praticamente toda a comunidade se volte contra o professor, sendo que todas as alegações baseiam-se na torpe imaginação dos adultos.

            Com uma fotografia belissimamente estruturada, A Caça usa sua iluminação para desenhar as transformações pelas quais passa o protagonista, que, submerso nessa atmosfera, busca manter sua dignidade. Neste ponto é importante ressaltar a fantástica atuação de Mads Mikkelsen (Palma de Ouro em Cannes), cuja concepção de personagem é brilhante nessa busca incessante pela verdade – em alguns momentos Lucas lembra Joseph K, personagem kafkaniano que não tem noção do teor das acusações que caem sobre ele – e pela manutenção de sua sanidade física e mental. Dessa forma, se ao início da película Lucas aparece sempre sorridente, brincando com as crianças ou com seus amigos, no segundo ato o personagem já se apresenta de uma forma bem mais introspectiva, como que refletindo sobre a situação que o acometeu e calmo, na tentativa de manter sua postura junto ao filho adolescente – que diante das acusações que o pai sofre, desespera-se, culminando, no terceiro ato, com atitudes mais catárticas, fruto da forma como os que o rodeiam escolhem para atacá-lo e aos seres que ama. Todavia é no desfecho da narrativa que conhecemos Lucas como um homem de temperamento bem particular e suas atitudes com relação aos que outrora o atacavam demonstra isso - comportamento que muito me lembrou de outro filme indicado ao Oscar deste ano, Philomena.

            A caça é uma obra visceral sobre como uma simples inverdade pode jogar a vida de um indivíduo num vertiginoso abismo de onde é muito, mas muito difícil de sair, mesmo que as circunstâncias possam estar a seu favor. 

ADEUS, LÊNIN! (Goodbye, Lenin! – Alemanha, 2002)

Direção: Wolfgang Becker

            Não são poucos os filmes alemães que figuram nas listas dos grandes da historiografia do cinema. Títulos como O Gabinete do Dr. Caligari, Metrópolis, M- o vampiro de Dusseldorf são frutos de terras germânicas, bem como O triunfo da vontade, propaganda mais que funcional do projeto nacional-socialista, obra-prima de Leni Riefenstahl e referência obrigatória para estudantes de cinema – em especial o documentário. Na última década foi possível perceber um renascimento do cinema alemão, chegando às telas ótimas películas como Corra, Lola, corra, A vida dos outros, Lugar nenhum na África, A onda e este maravilhoso Adeus, Lênin!.

            Passado no período da queda do muro de Berlim, o filme de Wolfgang Becker serve, não apenas como referência histórica para o país em questão, mas como tratado político sobre um momento em que as ideologias perdem espaço e sentido para a sociedade de uma forma geral.

            O protagonista Alexander Kerner cresceu na Alemanha Oriental e é testemunha ocular (e não apenas ocular, se lembrarmos da cena em que é agredido por policiais durante uma manifestação – como diria a mídia brasileira “em sua maioria pacífica”) das transformações pelas quais a região passou a partir da crise do socialismo soviético e o avanço do capitalismo, culminando na reunificação alemã. Entretanto sua mãe, Christiane, esteve em coma durante todo o processo e ignora as profundas mudanças ocorridas e, sabendo que ela tinha grande conexão com o regime político outrora vigente, Alex decide esconder dela a nova condição do país, evitando, assim, uma nova carga de estresse que possa levá-la a óbito.

            Carregado por um claro sentimento de nostalgia, Becker demonstra em seu filme como aquela sociedade, apesar das ditas vantagens provenientes do mercado capitalista, sente falta de seu antigo regime. Assim é interessante notar como um personagem se dá conta de que uma das consequências práticas dessa transformação seja o fato das pessoas serem levadas a revirar o lixo em uma das melhores tiradas da película.

            E se o avanço do capitalismo torna-se cada vez mais descontrolado, tal situação vai se tornando um conflito maior para Alex, que busca junto a conhecidos as mais divertidas formas de manter sua mãe em uma ilusão mais que idealizada, se levarmos em conta que o país que Alex apresenta a todos é aquele que sonhava, diferente do que existiu e do que existe – algo que é lembrado em cenas como o maravilhoso desfecho envolvendo um cartaz da Coca-Cola e as explicações dadas a Christiane sobre curioso ato migratório de ocidentais para o lado oriental. Todavia não posso deixar de mencionar a poética cena de Christiane olho a olho com personagem-título do filme – a estátua do líder da revolução russa destronada, estendendo sua mão em direção a ela como que numa despedida, mas também quase como uma súplica, um desejo desesperado por ajuda ou qualquer mão amiga a quem possa se segurar.

            Adeus, Lênin! figura, sem dúvida alguma, nas listas dos melhores filmes da década passada e é uma ótima pedida para discussões acaloradas, partindo de uma premissa nem um pouco convencional e embalada pela ótima trilha sonora de Yann Tiersen e ótimas atuações de Daniel Brühl e Katrin Sass. 

GRAVIDADE (Gravity – EUA, 2013)

Direção: Alfonso Cuarón

            De uma forma geral, o ser humano é visto como um ser social cuja condição de sujeito só é possível a partir da sua relação com o todo que o cerca. Fugir a essa máxima é encarado pela sociedade de forma negativa – visto como algo anormal, conforme lembrei em minha resenha sobre o filme Na natureza selvagem. Todavia, como comentei naquela ocasião, muitas vezes o indivíduo se lança em uma viagem de autoconhecimento, a qual em geral tem como característica básica a solidão. Embora a solidão possa ser vista como uma sensação de vazio existencial e isolamento, é importante notar que tal estado nem sempre se impõe por forças externas, podendo o indivíduo, por conta própria, buscar na solitude um escape para seus conflitos emocionais. De uma forma ou de outra, o fato de não estarmos sozinhos no mundo nos coloca diante da quase inescapável busca pelo outro – seja isso algo bom ou ruim, sempre teremos a quem recorrer quando assim desejarmos, a não ser que estejamos isolados no espaço sideral, impossibilitado de se comunicar com quem quer que seja. É exatamente esta condição que se impõe em Gravidade do diretor mexicano Alfonso Cuarón.

            Após um acidente envolvendo destroços de um satélite russo recentemente destruído, que atingem o Hubble durante um conserto, a iniciante Ryan Stone e o experiente Matt Kowalski são lançado no espaço sem nenhuma forma de comunicação com sua base na Terra. Tal premissa, nas mãos de Cuarón, torna-se um thriller angustiante, o qual coloca em jogo a própria condição humana diante do universo.

Dominante em cena, a Dra. Ryan – interpretada por Sandra Bullock – vê-se diante de um estado limite no qual deve escolher entre a vida e a morte, algo que se torna mais conflitante ao entendermos o passado da personagem, marcado por um acontecimento deveras traumatizante e seu comportamento comparado ao do colega Kowalski (vivido por George Clooney) demonstra a distância que existe entre a experiência deste em relação à inexperiência dela. Assim, certas atitudes de Ryan, entregue à solidão e ao silêncio e, portanto, aos próprios conflitos emocionais enquanto luta pela vida, são justificáveis como quando sente grande alívio em ouvir a voz de um desconhecido, chegando, até mesmo, a conversar com um cachorro através de latidos. Tal acontecimento somado a certos momentos como o belo plano em que, despida de suas roupas espaciais pela primeira vez, Ryan flutua na gravidade zero tal qual um feto no útero materno (referência a 2001?), demonstram o quanto somos frágeis, sendo o universo o eixo comparativo mais que ideal.

            Outro elemento interessante de se notar é o fato de o planeta Terra estar presente na maioria dos planos, remetendo à memória que os personagens têm de lá (Kowalski em vários momentos relembra acontecimentos ocorridos em seu planeta natal), à extensão que os separa (inclusive servindo de referência para a distância entre as estações espaciais) e à meta que desejam alcançar.

            Além disso, o último ato do filme (spoiler) – que soou quase como um desenvolvimento da sequência final da obra-prima 2001: uma odisseia no espaço – coloca Ryan diante dos caprichos da natureza tal qual a vida em constante evolução e a sua exigência de que aprendamos a caminhar com os próprios pés. A própria ideia da vida que cai do céu, somada a elementos como Buda presente na estação chinesa e Jesus presente na estação russa, remetem a um tom de religiosidade contida que, em contraposição com o evolucionismo citado, traz à tona uma das discussões mais acaloradas da humanidade.

            Do ponto de vista técnico, impossível não citar a bela montagem e a bela trilha sonora que fornecem o teor de suspense que o filme transmite o qual, muitas vezes, beira o aflitivo. Ao mesmo tempo, a preocupação sonora, realçada, acreditem, pelo uso do silêncio (remetendo a velha máxima de que o som não se propaga no espaço) demonstra o carinho depositado por Cuarón nesta obra. Sem dúvida, uma boa pedida cinematográfica.